Od 9 kwietnia do 1 września Fondation Louis Vuitton w Paryżu gości wyjątkową wystawę ponad 400 prac Davida Hockneya. Obejmująca siedem dekad jego twórczości „David Hockney 25, Pamiętaj, że nie mogą odwołać wiosny”, będzie największą wystawą poświęconą brytyjskiemu artyście.
A zatem David Hockney powraca. Osiem lat po swojej retrospektywie w Centre Pompidou, która przyciągnęła 620 945 odwiedzających w ciągu czterech miesięcy, co uczyniło ją drugą najczęściej odwiedzaną wystawą żyjącego artysty. Dwa lata po fantastycznym występie w Aix-en-Provence. I były jeszcze: „The Arrival of Spring, Normandy, 2020” (2021) w Royal Academy of Arts w Londynie, “Hockney-Van Gogh: The Joy of Nature” (2021) w Museum of Fine Arts w Houston, “David Hockney” (2023) w Museum of Contemporary Art w Tokio, “David Hockney Normandism” (2024) w Musée des Beaux-Arts w Rouen.
W wieku 87 lat David Hockney nie przestał tworzyć i nadal tworzy nowe dzieła. Ta wystawa w Fondation Louis Vuitton prezentuje się wyjątkowo. „Jest dla mnie szczególnie ważna, ponieważ jest największą, jaką kiedykolwiek miałem – wszystkie jedenaście sal Fondation Louis Vuitton! Niektóre z moich najnowszych obrazów, nad którymi obecnie pracuję, zostaną też pokazane. Myślę, że będzie świetnie” – zwierza się artysta.
Wystawa rozpoczyna się od emblematycznych prac z lat 50. i 70. ubiegłego wieku. Obejmują one kalifornijskie baseny, nieodłączny motyw w twórczości Davida Hockneya, takie jak A Bigger Splash (1967) i Portrait of An Artist (Pool with Two Figures) (1972). Seria podwójnych portretów również będzie reprezentowana z dwoma ważnymi obrazami: Pan i Pani Clark i Percy (1970-1971) oraz Christopher Isherwood i Don Bachardy(1968).
Następnie przeniesiemy się do lat 80. i 90., kiedy to natura zaczęła odgrywać bardziej znaczącą rolę w twórczości artysty, co widać w A Bigger Grand Canyon (1998). Serce wystawy skupi się jednak na ostatnich 25 latach Davida Hockneya, spędzonych w Yorkshire, Normandii i Londynie. Artysta obserwował rytm pór roku w krajobrazie, zmiany światła, a jednocześnie kontynuował studia nad portretami swoich bliskich, czy to w akrylach, czy na swoim iPadzie. Wystawa pokazuje, w jakim stopniu ostatnie lata były świadkami ciągłego odnawiania jego tematów i środków wyrazu” – mówi rzecznik fundacji Louis Vuitton. Zdolność artysty do ciągłego odkrywania siebie na nowo poprzez nowe media: najpierw jako rysownik, potem jako mistrz wszystkich technik akademickich, a dziś nowych technologii.
Ostatni spacer na piętrze ujawnia źródła inspiracji Davida Hockneya, od Quattrocento po sztukę współczesną, poprzez Fra Angelico, Claude Lorrain, Cézanne, Van Gogha i oczywiście Picassa. Aby zilustrować swoją pasję do opery, artysta interpretuje swoje prace na scenie od lat 70-tych „w polifonicznej kreacji, która jest zarówno muzyczna, jak i wizualna, we współpracy z 59 Studio, otaczając odwiedzających w najbardziej monumentalnym pomieszczeniu Fundacji LV”. Wystawę zamyka „intymna ” sala z ostatnimi pracami artysty namalowanymi w Londynie, gdzie mieszka od lipca 2023 roku. Wystawa ujawnia dialog między obrazami Davida Hockneya, a dziełami Edvarda Muncha i Williama Blake’a, w szczególności After Munch: Less is Known than People Think (2023) i After Blake: Less is Known than People Think (2024), „gdzie według artysty astronomia, historia i geografia spotykają się z formą duchowości ”. To najlepsza okazja, aby zagłębić się w świat Davida Hockneya przez siedem dekad twórczej pracy.
Po ukończeniu School of Art w rodzinnym Bradford, David Hockney miał 21 lat, kiedy w 1958 roku po raz pierwszy odwiedził Tate Gallery. Urzekło go Zmartwychwstanie w Cookham, dzieło Stanleya Spencera z 1920 roku. Oprócz tematu – żywych zmarłych powstających z grobów – podziwiał jego formalną inwencję, z panoramicznym formatem, perspektywą poza centrum i wieloma punktami widzenia: wszystkie obawy, które później staną się jego własnymi. Zafascynowany ekscentryczną osobowością Spencera, identyfikował się z nim do tego stopnia, że przyjął nawet jego fryzurę w kształcie miski.
To właśnie w tej samej Tate, młody człowiek przeżył swój drugi, artystyczny szok, podczas wystawy Pabla Picassa zorganizowanej latem 1960 roku. David Hockney był tam osiem razy, zafascynowany zdolnością Picassa do doskonalenia się we wszystkich technikach, do przyjmowania wszystkich stylów, do innowacji poprzez umiejętne nasycanie się wielkimi mistrzami historii sztuki. Picasso zawsze będzie dla niego punktem odniesienia, absolutnym wzorem.
W tym czasie Hockney był jeszcze studentem Royal College of Art w Londynie. Znał prace Alana Davie i Jacksona Pollocka, a także odkrył dzieła Jeana Dubuffeta i rzecz jasna Francisa Bacona. Jego wczesne prace odzwierciedlają te mieszane wpływy (Study for Dollboy, 1960), jedna z jego pierwszych prac poruszających temat homoseksualizmu, w czasach, gdy był karalny w Anglii. Sztuka figuratywna szybko stała się dla niego oczywista. Bronił jej ciałem i duszą przed dominującą abstrakcją.
Stopniowo Hockney rozwinął szczególną relację z Tate, która obecnie posiada sto czternaście jego prac ze wszystkich okresów. „To najważniejsza kolekcja prac artysty na świecie. Obejmuje wszystkie techniki, z którymi eksperymentował: malarstwo, rysunek, grafikę, fotografię, cyfrowe krajobrazy na iPadzie itp.” – wyjaśnia Bruno Ely, dyrektor Musée Granet.
Aix-en-Provence jest ostatnim przystankiem przed obecnym w Paryżu. Właśnie tam pokazano praktycznie cały zbiór z Tate. Bo Hockney nigdy nie miał retrospektywy w tym regionie. Jak wielu malarzy, był pod wpływem Południa. Patrzył na Cézanne’a, któremu składa hołd w A Bigger Card Players, Van Gogha i Picassa, którzy tam mieszkali.
Pierwszy obraz Davida Hockneya, który trafił do zbiorów Tate w 1963 roku, nosi tytuł Pierwsze małżeństwo (A Marriage of Styles I). Artysta namalował go rok wcześniej, kilka miesięcy po powrocie z Nowego Jorku, gdzie stworzył między innymi My Bonnie Lies Over the Ocean oraz bardzo popowy obraz Tea Painting in an illusionistic Style, który został nabyty przez muzeum w 1996 roku.
W 1964 roku, po ukończeniu Royal College of Art, Hockney wyjechał z Londynu do Los Angeles. Kalifornia zainspirowała jego hedonistyczne obrazy, inspirowane fotografią i zaludnione nagimi chłopcami pod prysznicem obok turkusowych basenów. To właśnie tam poznał Petera Schlesingera. Z tego okresu Tate posiada obrazy Man in Shower in Beverly Hills, Water Pouring into Swimming Pool, Santa Monica (1964) i kultowy The Bigger Splash (1967). Kupiony w 1981 roku od Lorda Dufferina, obraz ten wypełnia lukę. Do tego czasu instytucja nie posiadała żadnych, amerykańskich dzieł Hockneya. Teraz to zbiory Tate Britain.
Po powrocie do Londynu w 1968 roku artysta rozpoczął serię podwójnych portretów, w tym Pan i Pani Clark i Percy(1970), który dołączył do zbiorów Tate zaraz po jego ukończeniu. Podobnie jak My Parents (1977), praca ta jest przeniknięta enigmatyczną ciszą, która przywołuje na myśl świat Edwarda Hoppera. Modele Hockneya są zawsze wybierani spośród najbliższych mu osób: przyjaciół, kochanków. Wszystko w nim jest autobiograficzne. Ale w zdystansowanym dzienniku, z którym każdy może się identyfikować.
Hockney przywiązuje wielką wagę do tego, aby jego prace zobaczyło jak najwięcej osób. Taka jest rola muzeum. „Kolekcjonowanie sztuki naszych czasów jest równie cenne jak prowadzenie rejestru jakiejkolwiek, poważnej ludzkiej działalności. A największą współczesną kolekcją w tym kraju jest bez wątpienia kolekcja Tate Gallery ” – pisał w 1979 roku. Jednocześnie jednak skrytykował tendencję galerii do faworyzowania abstrakcji nad sztuką figuratywną.
W 1987 roku Tate i Los Angeles County Museum of Art zorganizowały retrospektywę Hockneya, aby zaznaczyć kulminację jego dwudziestopięcioletniej kariery. Sześć lat później artysta przekazał trzydzieści dziewięć odbitek, co stanowiło znaczący dodatek do kolekcji grafiki.
W latach 80. i 90. Hockney wykazywał rosnące zainteresowanie krajobrazami. Przez długi czas było to tło” – zauważa Bruno Ely. Ale wszystko się zmieniło i teraz mamy jego wspaniałe panoramy, które zwielokrotniają naszą wizję. Hockney przedstawia naturę, ale najbardziej interesuje go kwestionowanie sposobu, w jaki na nią patrzymy. Mnoży punkty widzenia, odwraca perspektywy”.
„Oko zawsze się porusza, jeśli się nie porusza, jesteś martwy ” – pisze o żelaznej zasadzie malarza, współkuratorka Helen Little w katalogu wystawy Musée Granet. Z drugiej strony, Hockney jest bardzo żywy. Bardziej Matissowski niż kiedykolwiek w swojej egzaltacji kolorem, nadal rzuca swoje zaczarowane spojrzenie na świat. I zawsze czaruje.
W 2019 roku brytyjski artysta David Hockney osiedla się w Normandii w Pays d’Auge.
W wieku 87 lat opublikował swoje najnowsze prace, w których iPad rywalizuje z pędzlem. Od najmłodszych lat stawiał sobie za cel karierę artysty. Przeniósł się do Kalifornii, gdzie jego słynne baseny ugruntowały jego reputację jako malarza. Pozostał jednak nieklasyfikowalny, malując portrety swojej rodziny i przyjaciół oraz krajobrazy, w tym monumentalne widoki Wielkiego Kanionu, które zrewolucjonizowały podejście do tego gatunku. Niestrudzony eksperymentator, otwarty na nowe narzędzia, wykorzystywał kolejno Polaroidy, faksy, kserokopie, komputery, wideo, iPhone’y i aplikacje rysunkowe na iPady.
Jego placem zabaw stała się Normandia. Podobnie jak wielu innych malarzy przed nim, z Claude’em Monetem na czele, David Hockney uległ urokowi jego pejzaży omiatanych wiatrem, deszczem, błyskami światła, oferującymi nieskończone wariacje kolorów. Związek Hockneya z mistrzem impresjonizmu, został wyraźnie potwierdzony, gdy Hockney posunął się do namalowania słynnego stawu w ogrodzie w Giverny.
Podobnie jak Monet w swoich czasach, Hockney uczynił swój ogród w Pays d’Auge nowym horyzontem swojego malarstwa, celebrując nadejście wiosny jako „wspaniałe, dramatyczne wydarzenie”. W 2020 roku, podczas pandemii, zapisywał swoje codzienne wrażenia z natury na iPadzie, niczym w szkicowniku. Wspaniałe serie Moneta nie są wszak daleko.
Mniej więcej od 65 lat David Hockney rozwija twórczość, ściśle związaną z jego życiem osobistym. Jego przyjaciele, jego miłości, ziemia jego rodzinnej Anglii i błękitne wody Kalifornii stanowią podstawę ikonografii, która przypomina osobisty pamiętnik. „Hockney jest malarzem przyjemności. Ale począwszy od lat 60. jego tematy były podejmowane w kontekście ciągłej refleksji nad możliwością redefinicji praw optyki.
David Hockney nauczył się rysować w szkole artystycznej w Bradford, przemysłowym mieście w West Yorkshire, w 1953 roku. Na jego wczesną twórczość wpłynęły obrazy Waltera Sickerta i Stanleya Spencera, ale przede wszystkim realizm jego najbardziej charyzmatycznego nauczyciela, Dereka Stafforda, który był blisko Kitchen Sink, ważnego powojennego ruchu. Znany krytyk sztuki David Sylvester postrzegał go jako angielską odpowiedź na socrealizm.
Od 1959 roku Hockney kontynuował naukę w Royal College of Art w Londynie. Młody artysta znajdował się na skrzyżowaniu wielu wpływów. Wyczuwał granice abstrakcji i nie miał zamiaru podążać ścieżką zbyt bezpośredniego realizmu.
Prawdziwy szok przyszedł w 1960 roku. „Od momentu zrozumienia Picassa, bardziej niż kiedykolwiek uświadamiasz sobie, że istnieje kilka form realizmu i że niektóre są bliższe rzeczywistości niż inne”, napisał David Hockney w książce My Way of Seeing
W tym czasie jego Obrazy miłosne już wyraźnie nawiązywały do jego homoseksualności, która przeniknie całą jego twórczość, w mniej lub bardziej wyraźny sposób. „Myślę, że była to również propaganda, w najbardziej banalnym znaczeniu tego słowa. Była w tym spora dawka bezczelności zmieszana z dreszczykiem nowości”, wyjaśnił później. Erekcja, Queer czy Doll Boy, tytuły prac z 1960 roku, sygnalizowały jego coming out. W tym samym czasie młody artysta doskonalił swój dandysowski wygląd i stworzył szesnaście rycin z cyklu Rake’s Progress, zainspirowanych serią obrazów i chalkografii Williama Hogartha (1697-1764).
W 1964 roku David Hockney uciekł z ponurego Londynu, aby zasmakować słonecznej Kalifornii, która zainspirowała jego hedonistyczne, popowe obrazy, często oparte na fotografiach, które przyniosły mu międzynarodowe uznanie. W Los Angeles odkrył polaroid i malarstwo akrylowe. Przede wszystkim poznał Petera Schlesingera, który został jego kochankiem w 1966 roku i miał pozostać wielką miłością jego życia. Potem się okazało, że tylko na 6 lat.
Wszyscy znamy ten obraz: w zalanej słońcem śródziemnomorskiej dolinie lśni basen. Stojący na jego krawędzi, młody mężczyzna w różowej kurtce i blond włosach przygląda się, jakby nieco zagubiony, jak pewna postać płynie w jego kierunku w stylu klasycznym, jedynym zresztą ruchomym elemencie obrazu. W dniu 15 listopada 2018 roku „Portret artysty (basen z dwiema postaciami)”, datowany na 1972, osiągnął cenę 90,3 miliona dolarów (a było to wówczas prawie 80 milionów euro), czyniąc to płótno Davida Hockneya rekordem aukcyjnym dla obrazu żyjącego artysty. Tylko Jeff Koons przebije go z niewielkim marginesem, z rzeźbą „Królik”, sprzedaną za 91,1 miliona dolarów w maju 2019. Zapytany o genezę dzieła, artysta powiedział, że pomysł przyszedł mu do głowy, gdy zobaczył dwa zdjęcia zestawione przypadkowo na podłodze jego pracowni. Opowie o swoich kolejnych próbach, pierwszych zniszczonych szkicach, powrotnych podróżach na Lazurowe Wybrzeże z asystentami w celu znalezienia idealnego basenu i kompozycji, a wreszcie o poczuciu pilności, z jakim namalował to płótno, w ciągu zaledwie dwóch tygodni, w samą porę, na planowaną wystawę w Nowym Jorku. Czyste linie, proste objętości i płaskie obszary koloru nadały strukturę świetlistej kompozycji, która była bliska fotorealizmowi.
Legenda głosi, że pomysł na The Pools podsunął mu Andy Warhol, który odwiedził go w Los Angeles. W tym czasie rozpoczął serię podwójnych portretów, dużych, cichych obrazów, których tajemnicza atmosfera przywołuje obrazy Edwarda Hoppera. Na każdym etapie swojego życia artysta pasjonował się portretem, najtrudniejszą dla niego formą sztuki. „Malował tylko ludzi, których znał i kochał. To, co go interesuje, to więź, która łączy go z portretowanym. Każdy portret jest jak gest uczucia „ – podkreślał jego kurator z Paryża Didier Ottinger.
W 1970 roku Hockney stworzył swoje pierwsze Joiners, fotokolaże składające się z zestawienia odbitek Polaroid, które poprzez swoistą grę dekonstrukcji reinterpretują zasadę kubizmu. Hockney rozbija strukturę obrazu i zaprzecza idei pojedynczego punktu widzenia, pokazując wszystkie aspekty jednego tematu. Fotografia, która w latach 60. umożliwiła mu jak najdokładniejsze odwzorowanie rzeczywistości, stała się też sposobem na uwolnienie się od niej.
„Hockneyowi nigdy nie chodziło o osiągnięcie weryzmu, prawdy, realizmu. Jedyne „prawdy”, do których dążył, dotyczyły spojrzenia, naszego sposobu postrzegania świata i środków najlepiej nadających się do reprezentowania emocjonalnych przestrzeni wytwarzanych przez spojrzenie” – pisze Andrew Wilson w katalogu wystawy. W 1973 roku Hockney przeprowadził się na dłużej do Paryża. Podczas gdy Musée des Arts Décoratifs zorganizowało jego pierwszą francuską retrospektywę, kilka miesięcy przed premierą filmu Jacka Hazana, A Bigger Splash, to właśnie w dawnym studiu Balthusa stworzył serię neoklasycznych portretów, inspirowanych Picassami z lat dwudziestych.
W roku 1971 David Hockney zawiózł Francisa Bacona do La Coupole. Był październik. Obaj przebywali wtedy w Paryżu z okazji wystawy w Grand Palais, która była największym triumfem Bacona w jego życiu. W La Coupole Bacon płakał w rękaw Hockneyowi po utracie kochanka, który zmarł dwa dni wcześniej na hotelowym sedesie. Obaj Brytyjczycy znali się od lat i przyjaźnili. To właśnie Hockney zrobił słynne zdjęcie Bacona z Leirisem w Le Marais, a także we wnętrzu mieszkania przy rue Birague, które twórca portretów papieskich wynajmował. O śmierci George Dyera poinformowała Bacona jego dealerka z Marlborough Gallery, ale Valerie Beston była oschła, zatem malarz wtulił się w Hockneya, który stał obok.
Potem przenieśli się do La Mère Michel, gdzie spotkali Valerie, Sonię Orwell i Michaela Peppiatta, późniejszego autora biografii Bacona. Do stolika podeszła właścicielka restauracji, starsza dama. Osobiście nalewała sos łyżką Baconowi. Ten wstał, wziął ją pod rękę i powiedział: ależ ma Pani ramię! Tak wspominał tamte czasy David Hockney, a także to, że zamawiali wyłącznie Muscadeta i ostrygi.
Po śmierci ojca w 1978 roku Los Angeles ponownie stało się główną rezydencją Hockneya. Skoncentrował się na serii dwudziestu dziewięciu Paper Pools, nawiązując do Piscines z poprzedniej dekady. W studiu graficznym Kena Tylera używał kolorowych papierów, które przywoływały zarówno ostatnie prace Ellswortha Kelly jak i Henri Matisse’a. Albowiem to właśnie Matisse, podobnie jak Picasso, odegrał fundamentalną rolę dla Hockneya, nie tylko pod względem koloru, ale także pod względem ogólnego tonu jego radosnej twórczości, która odzwierciedla ciągłą przyjemność z malowania. Na początku lat 80. Hockney kontynuował swoje badania nad widzeniem, optyką i perspektywą wyśrodkowaną lub odwróconą (zasada, która umieszcza znikający punkt za widzem dzieła).
W 1984 roku rozpoczął serię autoportretów, wykonywanych systematycznie każdego ranka po przebudzeniu. Dzień po dniu rejestrował upływ czasu. W tym okresie artysta coraz bardziej interesował się techniczną powtarzalnością swoich prac. Jego Home Prints, wykonane przy użyciu kolorowej kserokopiarki, są tego przykładem. Odkrył również możliwości faksu, który umożliwił mu natychmiastową dystrybucję jego prac wśród przyjaciół, a następnie możliwości komputera. Pod koniec lat 90. powrócił do malowania pejzaży Yorkshire, ale tym razem w barwach Kalifornii. Nadszedł również czas na duży format, z widokami Wielkiego Kanionu (1998-1999), złożonymi z piętnastu do sześćdziesięciu płócien, w stylu Joiners. Jego sztuka stała się jeszcze bardziej monumentalna w 2007 roku, z Bigger Trees Near Warter. W międzyczasie artysta stworzył nowe autoportrety węglem: twarze naznaczone żalem po śmierci matki.
Od kilku lat Hockney korzysta z iPada. Ekran jest jego szkicownikiem. Tworzy setki rysunków, krajobrazów, martwych natur i (auto)portretów, które następnie drukuje. Jednocześnie codziennie kontynuuje swoją pracę jako malarz. „Hockney jest nietypowym artystą na rynku. Niewiele jego prac trafia do obiegu, woli zachować je dla siebie, a swoją ekonomię podtrzymuje publikując swoje dzieła na iPadzie „ – wyjaśnia Didier Ottinger. Stąd niewielka liczba obrazów przechowywanych w muzeach. Żaden z nich nie znajduje się na przykład w zbiorach Centre Pompidou.
We wrześniu 2019 roku David Hockney, wówczas w wieku 82 lat, sprawił niespodziankę, decydując się opuścić Los Angeles i Stany Zjednoczone i zamieszkać w Normandii. Osiadł w Calvados, gdzie nabył XVII-wieczną posiadłość o nazwie La Grande Cour. Jego decyzja była motywowana głównie faktem, że we Francji mógł swobodnie jeść i palić. „Chciałbym po prostu pracować i malować, bo Francuzi wiedzą, jak żyć, wiedzą wszystko o przyjemnościach”, powiedział Wall Street Journal. W Pace Gallery w Nowym Jorku pokazał wtedy serię prac powstałych w jego normandzkim studio, w tym instalację La Grande Cour Normandy, inspirowaną gobelinem z Bayeux.
Zamknięty w Calvados podczas kryzysu związanego z COVID-19, David Hockney podzielił się z internautami poetyckim i pełnym nadziei dziełem na iPada zatytułowanym Do remember they can’t cancel the Spring. W liście otwartym do Ruth Mackenzie, dyrektor artystycznej Théâtre du Châtelet, opowiada o swoim życiu w zamknięciu: „Ciągle dzielę się tymi rysunkami z moimi przyjaciółmi, którzy są nimi zachwyceni i to mnie uszczęśliwia. […] Dlaczego moje rysunki są wytchnieniem od tego wiru przerażających wiadomości? Są one świadectwem cyklu życia, który rozpoczyna się tu ponownie wraz z początkiem wiosny. Spróbuję kontynuować tę pracę, teraz gdy zdałem sobie sprawę, jak jest ważna. Moje życie mi odpowiada, mam coś do zrobienia: malować. Dodaje: „Jak idioci, straciliśmy więź z naturą, mimo że jesteśmy jej integralną częścią. Wszystko to kiedyś się skończy. Jaką lekcję możemy z tego wyciągnąć? Mam 83 lata, umrę. Umieramy, ponieważ się rodzimy. Jedynymi rzeczami, które liczą się w życiu, są jedzenie i miłość, w tej kolejności, a także nasz mały pies Ruby. Szczerze w to wierzę, a dla mnie źródłem sztuki jest miłość. Kocham życie.
Teraz ma 87 lat i wciąż tryska młodością. Bo wiosna to dla Hockneya najważniejszy okres w roku.
David Hockney 25, Fondation Louis Vuitton, Paryż. Kwiecień 2025
